我是这样教古琴的——龚一

漫笙

不论是学院专业还是社会业余爱好，有一个共同的要求，就是打好基础，练好基本功。常听说“我是学着玩玩的”，为了“玩”得好一些，也不妨打好坚实的基础。

    古琴的物理属性是一件乐器，乐器的学习，有它的法则。打好了基础，深造则有了基石。学院专业学生有了良好的基本功，可以向专业化高层次全方位的发展。社会业余学习者有了良好的基础，进者可向更高层次发展，守者可保持正规良好的弹奏方法，将一首乐曲弹得规整方圆。

一、重视正确的基础训练

墨子云：“百工从事，皆有法度。”学琴与世上其他事物的学习与操作一样，都有“法度”可依。

首先是坐姿，除了人正中置于五徽、腹部离琴两拳之距外，还应足分左前右后。前者是为了左右舒展，后者是为了力前后挪移有了支撑点。两足平摆则不利前后挪动，且易使力后仰。两膝头为免不雅，不宜分得太开，更不可翘腿或直腿弹奏，须养成习惯。

古琴的基础训练更需要讲究“法度”，清代大琴家徐青山“溪山琴况”里的四句话：“弦与指合，指与音合。音与意合，和将至亦”。学琴者都是从右指空弦音练习开始的，然有的人右手臂很紧，稍弹一会就感觉到酸累。当然不论练习哪种琴，开始因手臂肌肉适应性的原因，而感到有所不适，这是正常的自然反应。通过一段时间的练习，会逐渐适应并习惯。如果一段时间过去还觉酸累，则需重视。我以为正确的方法是右手操琴时应肩部放松，手臂自然下垂，小臂伸出后持平直，掌背平，指下即琴，这是比较适合的高度。

    右手“勾剔抹挑”，也有着怎样“勾剔抹挑”才是正确的问题。其中有“着弦点”、“触弦点”、“运力方向与角度”的要求，不仅仅是“勾”中指向里、“挑”食指向外弹弦则可。向外还有向外到什么角度的讲究，“向外偏朝上挑”的声音与“向外带一点平”的音色就不一样。“剔”更显其要，向上剔，音色飘而轻薄，向前用韧力“兑”，音色就更圆实。右手发音称为“音源”，是音的源头，“源头”音色正，才可保持按音、走音、泛音的音色正，可见讲究右手指法技法正确是极其重要的基本训练。有了正确的“音源”且需极其熟练，使右指极有把握的操控每一根弦。学习者可将右手手掌放在琴上着弦点的位置，闭上眼睛，不论慢速还是快速，还是附在弦上还是悬指而下，要弹哪根弦就要正确无误的弹哪根弦！

这就是清虞山派太仓琴家徐青山在《溪山琴况》里说的四句话的第一句：“弦与指合”。

左手按音主要是大指与名指。曾见有手臂肘部抬高的、按弦姿势有扭曲的、名指按弦时一二三关节不是呈自然弯曲状而是笔直的、大指按弦时其他四指僵直的、有虎口大张的……我以为较标准的是手臂肘部放松，自然下垂，手指也保持自然弯曲的形态。大指按弦时关键是第一关节只需微微弯曲，切不可过于弯折，拐角不可太尖。指甲背要与弦成90度直角，力点只是在大指按弦“正位”（大指底线向甲尖3-4毫米处的正侧位的一点，称“正位”）的那一点对着弦上的一点，此时其他四指要保持自然弯曲状。摆好姿势后还应检查手腕是否压低，小臂是否放松。名指是用指端近小指一侧的部位按弦，并且只需指端着力。指形保持自然弯曲，切不可笔直，笔直必然无力而欠灵活。

    左指“走音”是古琴演奏的一大技法特点。走音有“运力原理与方法”、“音准”、速度、虚实等讲究。运力原理与方法：左臂是原动力，它带动腕、掌、指。然左右“走音”时须“移步不换形”，不论是大指还是名指，“走音”移动时，原手型都不变。不可呈被动状态，被拖拉的姿态。

音准除了本能的灵敏的听觉能力外，有必要进行后天的训练。古琴因有着其他乐器所没有的徽位，因此有着音准的参考标志。相对的说较易掌握音准。且由于古琴的音位距离较大，九徽到十徽的一个大二度之间，有9厘米之多的距离。如果误差半公分或2-3毫米，似乎不显出音的不准，但严格意义上这还是个不严格的音准。何况常有一个空弦音“应合”着，空弦音是预先定准的，不变的，那么按音的不准就被突显出来了。

左指不单是“走音”，还包括左指的各种技巧，如“掐起”“掩”“掐绰三声”“点泛”“换指”，它们与右指的各种技法一样，都是音乐旋律线条中的一个环扣，应服从于旋律、与情感的抒发。（关于技巧技术后章专题论叙）

    这是徐青山说的第二句话：“指与音合”。

    “弦与指合，指与音合”其实是所有乐器学习的初级阶段，是学好一件乐器而无法逾越的两个过程、两项标准。而这两句话却是总结在近400年前（大还阁琴谱1673年），是钢琴还是在羽键琴的时期，这是我们祖先的智慧在音乐范围内的体现！

二、关于“音”与“意”的关系

    徐青山的第三句话是“音与意合”。“意”是指乐曲所要表现的内容、意境、韵味，即音乐专业术语说的“音乐形象”。用唐-薛易简的话“声韵皆有主”，即弹什么曲子都应该有个要表现的“主”，由演奏者将所弹乐曲的“主”表达清楚。如伯牙弹《高山流水》，子期则听到了“巍巍乎若高山，汤汤乎若流水。”这是“声韵皆有主”的典范。子期从音乐中听到了伯牙心里所表现的内容，所以伯牙才将子期视为“知音”。弹奏者是二度创造，应体现原创作品的精神风貌。弹的是“高山”与“流水”，那么就应该体现出高山巍巍乎的气势、流水的荡荡乎的各种形态，而不是其它。如果只是从头弹到尾，即使一个音不差，音也很准，节奏节拍都符合谱面的要求，那也只是过程与程序的完成，而不是声韵“主”的完成，不是音乐形象、意境美的完成。不是“音与意合”，而是音与意的剥离。音乐是表达人的感情的，是演奏者通过乐曲作内心的喧叙，是演奏者与听者之间心与情感的交流。明代李贽说得好：“琴者情也，琴者心也，琴者吟也。”用“心”“吟”颂的“情”，才是“真情”，这才是音乐艺术最高境界的“意”。弹《胡笳十八拍》要能使“胡人落泪沾边草，汉使断肠对归客。”（李颀《听董大谈胡笳声兼寄语弄房给事》）。韩愈听颖师弹琴居然“推手遽止之，湿衣泪滂滂。颖乎，尔诚能无以冰炭置我肠！”（韩愈《听颖师弹琴》）古琴是如此，其他乐器的音乐也都是如此。“座中泣下谁最多？江州司马青衫湿。”（白居易《琵琶行》）可见深刻的“意”所具有的感染力之深、“化人也速”。即使另一类音乐形象较抽象的乐曲《古渌水》，也能使人听后感受到“西窗竹阴下，竞日有余清。”（白居易《听弹古渌水》）另一首琴曲听后感受到人生深度的哲学内涵：“学道三十年，未免忧死生。听弹一夜中，会尽天地情。”（孟郊《听琴》）“客心洗流水，遗响入霜钟。”（李白《听蜀僧濬弹琴》）这类内容古诗词、古画中可说是俯拾即是。这些都说明了古人是那么的重视琴曲音乐形象的正确性与感染力。三个程序的完成后，那么第四句话“而和至矣”也即最美好的最高的境界呈现了。

    徐青山这四句话何止是对古琴而言，这是每一件乐器学习的程序，是乐器学习的全过程。是古琴的传统，是我们今天古琴教学应该真正继承、发扬的传统。

三、技巧技术训练的重要性

对此议题古琴范围内还有着不同的观点，有的人甚至认为“古琴是不讲技巧的，西洋音乐才讲技巧，他们学院派才讲技巧，我们是讲韵味的。”这些论点混扰了概念，混扰了技巧与内涵的关系。精到的技巧技术正是达到韵味的“前站”，是过河的桥与船。没有桥与船就过不了河，到不了彼岸。技巧与韵味正好是个相辅相成、互不可缺的整体关系。有些人仅因为某一两处技巧的残缺，而使一首乐曲不能善终。可见高超过硬的基本功及高度审美的艺术标准，对于一个真正爱好古琴艺术的演奏者是极其重要的。

古琴技巧包括很多方面，不是说弹得快才是技巧，其实慢也是技巧。同一张琴、一根弦、一个音，某甲弹得好听，音色饱满圆润。而乙弹得声音发飘，音色不纯干涩而不好听；快速度的乐句，甲弹得力度平均颗粒清晰，而乙则力度参差含混不清……。其中就有方法上技巧的正确与不正确的原因，因此技巧有优有劣是客观存在。演奏时音准不严格、用得较多的“绰”却不讲究它的变化应用（有三种不同的弹法：距离、速度及强调的点位）、“轮指”浑浊不清、“进退复”不按乐曲内容的需要，无变化的单一的应用（可干净利落、也可柔媚连贯）、连“上”连“下”二三音，音准不严，或取音不实或余音很快消失（有按音实与不实的技巧掌握，虽音音递减，但也能音音清晰）、“掐起”掐出“啪嗒、啪嗒”的杂声、“掩”时又掩出木板声……其中除了方法不够正确外，还存在着对技巧重要性的认识偏差，认为技巧技术无关紧要，“我们是强调韵味的”结果。殊不知这是一句空话，无优良的技巧与技术何来韵味！不论“掐起”“掩”“泼剌伏”“走音”都是旋律音中的一个环节，旋律如果是个连绵线条，那么出现了杂音、不准的音、浑浊的音响则会影响旋律的连贯性。如果是跳跃性的旋律，那么掐出了干涩的或是木板杂声，也是对旋律的破坏，何来韵味！

下面我列举一些技巧作技术分析。

“音准”

    音准是有严格标准的，不可随意为之。但有因风格的需要而作某些音高的调整，但这也有特定的标准。如《忆故人》第七段的“13 2”的“1”与“3”，有的琴家作了“1”偏高“3”偏低的处理，那是委婉凄厉情感的要求，而不是不讲究音准。《潇湘水云》第七段中有三个连“上”“61 23”，是对弹奏者音准把握的检验。无灵敏的听觉、无几百遍的训练是很难奏效的。古琴曲演奏时常有一个空弦音与按音的“应合”，因空弦音是原先已定准的，那么即使稍有不准的按音，就会被明显的显示出来。另，古琴上的音准是不可绝对以徽位来判断的，一是因为徽位有可能安装有误，徽位上的音准点位是极小的一点，不得有两三毫米左右的误差。二是弦与琴面的高低至今无严格的标准，弦与琴面“斜差”（指琴尾处“一纸”到岳山处的“一指”的高低距离差）的不固定，就会产生音准的不确定性，即使徽位位置是正确的，因受“斜差”的影响，按音也会有所出入。再说音位的徽位是泛音的位置，不受弦张力变化的影响。而按音首先随着“斜差”的变化而作变化。尤其上准（高音）音区，准确的音高一般都在所标定徽位的左侧一点的地方（如标五徽的按音，则应在五徽一不到的位置按音，余类推……）。由此可见按音音准主要以听觉辨别为准，徽位是参考。

“掐起”

“掐起”有明确的标准：即要有“共鸣”与“余音”。除了不可掐出“啪嗒啪嗒”的杂音外，还需讲究轻响的音量。杂音或音量过重过轻，都会破坏旋律的线条，更不用说音乐旋律对情感的表达。要使“掐起”成为旋律中的一环，有“共鸣”与“余音”，则需讲究方法。其方法是当“掐起”时必须大指与名指呈“匡”字形，名指必须用近小指一侧的指端按弦，压低手腕，大指掐弦的那一煞那是突然往上吊弦，切不可沿着琴面向边沿方向扒弦，那样必然会出现类似扒竹篱笆似的杂音。行进中的“掐起”，还必须在“掐起”前的一两个音时，左名指作好“匡”字形，随大指走音而移动。此时名指不可抬高，离弦只须1-2毫米，甚至可附在弦上与大指同时行进。在掐起时，名指还必须先于大指前一刹那按在弦上，不可象跷跷板那样的两头翘，出现名指打弦的声音。此技术我用了“带状行进”四个字概括，也就是在走音行进要“掐起”时，要带着“匡”字的形状。当一说“带状行进”，学生就明白了全部含义。

“掩”

所“掩”的音是旋律音中的组成部分，必须与旋律音的线条构成一体。常见有的演奏者“掩”出琴面的木板声，实是对旋律的破坏。“掩”的方法，是按着弦的名指与掌腕如同拿榔头的手臂，放松而自然地带有弹性地将榔头（大指）敲（掩）下去。榔头的垂点就是大指的“正位”，要“掩”出实在而厚润的声音。除外还需考虑“掩”音量的大小是否适合旋律线条的需要。

“轮指”

“轮指”音的质量标准是清晰颗粒、力度平均，三个音依次以基本相同的力度弹奏。力度最薄弱的是名指，常见当名指弹出后，其他两指会一溜串的跟出去，要不混囤不清，要不就是不匀。我用了十二字口诀教学生：“跺跺齐、夹夹紧、带点斜、不要高。”三个手指指尖要跺齐；因没有后助力，所以第二关节要夹紧，作为有限的后座。名、中、食三指带点斜可以弹在弦的一个点位上，音色更会平均有力。弹出后三指不要翘得太高，翘高既不美观，又会影响回收的速度。

“滚拂”

“滚拂”最忌如同机械动作，显露出一来一去的痕迹。为此可连续反复训练“滚七抹六”、“滚七六抹五六”……“滚七六五抹四五六”……类推之。如还有痕迹，滚时名指再向掌心收拢一点，并在力度上作有意识的控制。“滚拂”应随乐曲内容的需求而变化，有时是展现平坦宽广的势态、有时是推涌逐前的情景。因此有时是平均的力度，有时是“一二三四弦慢，五六七弦快”……

“吟猱”

“吟猱”（二胡小提琴演奏者及部分古琴家称为“吟揉”）具有润色美化音色及进行风格气息处理的功能，古人也说“五音活泼之趣，半在吟猱”，很多学生都想及早学习“吟猱”之法，使音色活转而优美。但由于“吟猱”方法多变且活，并无绝对一致的标准。如掌握不好，方法不正确，就会影响到日后的演奏。因此我一般不急于教“吟猱”，待其弹到信手烂熟时，授予原理及方法，可自然而成。

“吟猱”究其原理，是在音发出后，左手指在音的左右作适量幅度的摆动，摆动的方向应基本与弦平行。如果方向扭曲紊乱，则会阻遏琴弦震动波的长度，即缩短了“吟猱”余音的长度。其区别是“吟”的动作幅度小，“猱”的幅度大。不论幅度大小都应保持主音的稳定性，过大则会使音准游移摇晃。左手“吟猱”时，肩、大臂、小臂都须放松，由手腕带动手指作左右摆动。小臂基本不动，仅仅是手腕的摆动（梅庵派高骨猱弦除外）。手腕要压低，保持摆动时手指对弦的压力。古人云：“凡吟猱引，皆候弹了将余音取之，不可错乱。”一般都是在音出现稍待稳定后再作摆动，切不可与音出现的一刹那同时摆动。对照古谱，众多琴家及不同的派别对“吟猱”也无绝对固定的解释与弹法。有在音准位置的左右两旁摆动，也有在音的左边或右边摆动；有带固定节拍的摆动，有由大到小的摆动；有将“吟”弹成“猱”，也有将“猱”弹成“吟”……不论如何“吟猱”，首先应掌握它的原理及方法，待基本方法正确后，就按所学老师的指导进行学习。

我教“吟猱”方法是让学生左大指按弦，小臂不动而放松，带有节奏规律的轻轻摆动手腕，右指以固定节拍的弹奏琴弦。一般学生右指弹一下，左指的肌肉就从紧张到松弛，甚至到僵硬而不能持续放松。因此要有意识地使左臂放松，右指一边按固定节拍弹弦时，左指轻悠悠的作小幅摆动，慢慢的找到感觉并形成习惯。摆动方向与二胡小提琴大提琴的揉弦一样，为保持尽可能长的持续音，需与弦保持基本的平行。名指“吟猱”同此一理。

“吟猱”的应用很难说清楚，但一个普遍的现象就是“各人各异”。然对于一首音乐作品、一句乐句、一个音来说，不是凡音“吟猱”为好，而是应经过根据内容需要的设计后，再作应用。有时某个音就是需要一点也不吟猱，使之从音的出现到消失，营造一种静谧安详的意境。此时若“吟猱”不断，尤其用高骨大猱，必定造成恍惚摇移的感觉。具体对于“吟猱”究竟如何的用与不用，就需一首一首乐曲、一句一句的乐句作解说了。

“音音相连”

如何使得“音音相连”既是技术技巧也是演奏习惯的问题。《关山月》“由来征战地，不见有人还。”在七徽左右从七弦到二弦的过弦，要凄凉婉转。《阳关三叠》中的“西出阳关无故人”中的七徽五六七弦三个音的连绵不断，但很多学生无法连贯，甚至弹成跳跃断裂，造成旋律线条阻梗滞涩。“音音相连”其口诀是“八个字”：即“留足时值，过弦（移位）疾速”。其实这是一个应用极多的基本技法，是极其重要的演奏技法与演奏习惯。解决方法是在按音时要尽可能保持音所规定的时值，切不可很快离弦，切断音的余音。只要不影响下一个音所在弦的弹奏，就按于音位而不离。两音在不同的弦上或不同的音位时，也以“八个字”使两音之间移动痕迹保持到最小的间隙，手指移动或过弦时不可出现抛物线。这样既可保持音间的紧密联系，也可使空间共鸣更和谐，音响更饱满悦耳。作为一种习惯，一旦养成受益无穷。

“走音”“掐起”“掩”“滚拂”“轮指”等这些技巧与技法，是通用于包括《潇湘水云》《广陵散》等所有琴曲的，《仙翁操》《良宵引》里这些技巧技法练好了，在其他琴曲里也就省却了练习的时间与过程。也即在初始学习时练就的基本功，为日后提高与深造打好了坚实的基础。墨子说的“百工从事，皆有法度。”法度是不可随意改变的，也不可由不同的老师、不同的派别、不同的观点而改变，不按法度“从事”则必然无法达到预期的效果。

    还有些技法技巧我也应用了特定的名称，如“一指二弦”（名指或大指同时按两根弦）“一指二弦掐起加移位”（大指按了两根弦后——一般总是先按高音弦后按低音弦再掐起，再立即移到下一个音位）“一指三弦”（名指或大指同时按三根弦）“颗粒挑勾”（“挑勾”时要有颗粒感，每个音必须都是由一个独立动作完成……）经常使用这些术语教学，学生习惯后也就很快领悟并使用，节省了用以解说技法技巧化去的课时。

四、关于练习曲

教学中我较强调用练习曲来进行练习，在《古琴演奏法》里我编了一部分练习曲，经十余年的教学实践，达到了预期的效果。近期出版的《古琴新谱》里又增加了部分练习曲。练习曲是西方传来的，在实践中它是一种很见效的练习方法，值得我们借鉴应用。练习曲是有序的、渐进、有的放矢的集中练习，将一种指法技法集中在一条练习中反复的练习，收效甚快。节省了时间，巩固了成效。如果按过去的习惯，一首乐曲中的一处技巧或技法待弹完这首乐曲三分钟的话，这个技巧技法三分钟里也才练了一遍。如果将这个技巧技法编成专门的练习曲，在一两分钟内，这个技巧技法就被反复练习了几十遍，其效果是显而易见的，节省了时间与精力。其实如《仙翁操》《秋风词》《湘妃怨》等小曲，就其编排的结构来看，实际上就是一首练习曲。它们练习了空弦音与高八度同音关系、七徽与九徽上是隔四根弦、九徽与十徽上是隔三根弦的泛音关系……这类小曲，显示了古人早已具有了集中练习某些技术技巧的意识。

我编写编选的练习曲，每条都有其练习的要点，学生不单是要会弹某条练习曲，而是怎样弹好这条练习曲？怎样体现出线条的流畅达到预期的要求？即便是一条短短的练习曲，练习时也就有其目标与方向，这样练习时也就产生了动力，不至于枯燥乏味。

五、琴曲的艺术处理

技巧技法训练不是终极目标，终极目标是乐曲音乐形象的完成，是韵味的完美再现。一首琴曲在完成技巧与技法的训练之后，更重要的是对乐曲的艺术处理。也就是徐青山说的第三句话“音与意合”的“意”如何正确的表达，以期达到至高的“和”，简单的说就是如何更完美的弹好一首琴曲。

进行乐曲艺术处理，首先要求学生掌握第一手资料：了解阅读古人及古籍对这首琴曲的题解。查阜西先生编著的《存见古琴曲谱辑览》中，古人几乎对每一首琴曲都有详尽的题解与歌词。演奏者是二度创造者，这些资料就进行二度创造、弹好一首琴曲的主要依据。演奏者应该在原曲的特定内容、特定的精神风貌基础上对乐曲进行恰如其分的演绎。以自己对古代文化生活的慧悟、对乐曲本身多方面的背景有所了解后再去处理琴曲，而不是一概以“轻微淡远”“轻弹慢弄”个人的理解与口味处理琴曲。这过程中体现着演奏者对乐曲的理解，体现着演奏者的演绎功力。

每一首琴曲都有其要表现的主题内容。唐.薛易简《琴诀》在一千多年前就提出：“声韵皆有所主。”意即弹奏任何一首琴曲应要有所“主”，“主”可理解为“主题”“精神”“韵味”，是乐曲所特定的内容与意境。《平沙落雁》题解资料极多，但它的“主”却十分一致，其意境：秋意寥落、沙阔江平、几蓬芦苇、一行飞雁、知己两三……借以抒发文人“鸿鹄之志”的胸臆。《广陵散》因有45段与《史记-聂政刺韩》故事基本相同的小标题为注解，且有打谱者管平湖先生的注释及节拍速度的标示，更易理解并演绎。其《徇物第八》《冲冠第九》《投剑第十八》等段落更应循古人所说，体现“兵韧杀伐”“指边生霹雳”的场景与气概；《长门怨》要有女子捶胸顿足的诉怨；《大胡笳》更是表现汉代这位女文人蔡文姬母子骨肉离别的凄厉，并能感受到女主人公敢于指天问神的悲愤。这首乐曲能使“胡人落泪沾边草，汉使断肠对归客。”（李颀《听董大谈胡笳声兼寄语弄房给事》），古人‘多为之涕泣’。唐代的颖师弹古琴也使人“湿衣泪滂滂。推手遽之止，无以冰炭置我肠？”（韩愈《听颖师弹琴》）其他乐器及音乐也同样突出乐曲的“主”，白居易《琵琶行》里“座中泣下谁最多？江州司马青衫湿。”即使没有具体人物与情节的带有抽象性的作品，也有着它的“主”：“学道三十年，未免忧死生。听弹一夜中，会尽天地情。”（孟郊《听琴》）“西窗竹阴下，竞日有余清。”“心静即声淡，其间无古今。”（白居易《听弹古渌水》《船夜援琴》）。这些在唐宋诗词赋文中是俯拾即是的，足证古代音乐感染力之甚，古人讲究感染力之甚！今天我们注重音乐的感染力，将乐曲“声韵皆有所主。”的“主”展现出来，我以为这才是正确的演绎古曲，才是真正继承传统。

我们弹的是古人早已确定了的特定内容，不是弹我们弹奏者自己。如果将《长门怨》《大胡笳》《离骚》《精忠词》《广陵散》等琴曲都弹成《平沙落雁》《渔樵问答》等琴曲“轻微淡远”的意境，借它们来“修身养性”抒发自己个人的胸怀，固然有其个人的自由权利，但对千人百人的满堂听众介绍、弘扬中华优秀文化的时候，则恐有失偏颇了。

音乐作品的“主”确定后，则是如何对琴曲进行艺术处理？

查阜西先生在1936年《今虞琴刊》发刊词中说：“古琴之演奏，真能事者必极尽其轻重疾徐、抑扬顿挫之妙。”我理解“轻重疾徐、抑扬顿挫”八个字不只是古琴而是包罗了所有音乐处理的标准与要求。旋律线条的流美舒畅及力度的张弛，是靠音的“轻重疾徐”展示的，而气韵生动则是以“抑扬顿挫”来完成。即使一首《平沙落雁》或任何一首琴曲，都需要以“轻重疾徐、抑扬顿挫”的逻辑进行处理。不论《良宵引》《梅花三弄》《潇湘水云》，大凡一首流传的优秀的琴曲其本身都符合“起承转合”的章法结构，也是事实的存在。如果只是将一首琴曲从头弹完，而未展现乐曲的“主”、乐曲的意境，那只是“弹过”某曲，而不是“弹好”某曲，更不是艺术与“美“的完成、作品意境的完成。

“轻重疾徐、抑扬顿挫”是对乐曲处理的总的慨念，细则关联到乐句与乐句之间直至两个音之间的处理。我们弹奏的绝大多数琴曲都是古曲，为了处理好一首琴曲，还需有大量古曲的积累，要具有艺术审美综合性的积累与借鉴。因传统古曲中包含着历代琴人对艺术的体验，有传给我们这些古曲的上一辈琴家的感悟，这些是我们得以正确领悟所弹古曲内涵的基础。我在教学中要求学生学习与琴曲相关的古诗词、看古画、看古典剧的舞台演出，使学习者加深对古代文化生活的感悟。音乐乐感是综合性的内在感觉，因此还需学习各种优秀的音乐艺术（包括民歌、戏曲、西洋交响乐、流行音乐），甚至学习太极拳，领悟其中韧力的运转，将这些艺术的精髓溶于演奏的琴曲中，溶于古琴一身。

古琴虽是乐器演奏，但由于琴曲及大量资料都涉及古文、文赋诗词、古代乐论以及现代乐理知识（包括曲式结构的分析、旋律发展手法、调性转换），因此在教学中也必须尽教师之能，布置学生阅读某些史料名篇、能通晓乐理知识、能对乐曲的结构作简单的分析……最终使乐曲的“意”与“主”得到恰到的展示，使旋律美而动听、使演奏者自己通过自己的体验、自己内心的感悟，将古琴曲演绎得更加习习生辉。

院校专业学生身负着古琴艺术继承与发展的责任，又由于社会文化发展形势有了新的需求，因此古琴的教学也必须增加“学以至用”的内容。“学以致用”对应的是社会对古琴的需求，尤其音乐艺术发展到了今天，已呈现了与三四十年前完全不同的格局。听众以今天的审美标准，要求古琴演奏者既能演奏各派的代表性古曲，既有梅庵派的《长门怨》《捣衣》、浙派的《潇湘水云》，也要有川派的《流水》广陵派的《龙翔操》……何况还不只是弹完谱面上的《长门怨》《流水》，而是要能弹出山东味风格的《长门怨》，川味的《流水》；又能演奏新的创作曲或他们所希望听到、也是古琴能弹奏的乐曲；既能独奏又能与多种音乐形式进行合作；既对减字谱烂熟于心，可对着减字谱视奏，又能熟练的操作五线谱简谱、能对固定调或首调乐谱进行视奏；既能独立完成打谱，又能对琴学的某些专题进行独立研究……虽然这些已超出了一般演奏专业系科的要求，却是当前古琴艺术发展特殊性的需求。这些内涵与要求并不是学院专业学生的“专利”，业余学习者也可通过努力，达到某种高度，做出应有的贡献。前辈已为我们做出了榜样：他们并没有经过学院的学习，并且从事着他们的本分工作，然而却对古琴艺术的各方面做出了令人钦佩的杰出贡献！

实践应用中有一个关键的问题，首先要将“徽位概念”改为“音位概念”，一千多年来琴人主要用的是减字谱，减字谱是弹奏方法的备忘记录。弹奏者主要记住的是弹的音在几弦几徽几分上，而不是音的本身，因此学生能看减字谱，却不习惯按没有减字谱的乐谱弹奏旋律。一首人人会唱、古琴上也能弹奏的歌曲，有些琴人在古琴上却往往无从下手，这主要是缺失琴上的音位概念。琴上的音位分横向音阶与竖向音阶，横向的是一根弦上左右走向、竖向的是按弦与弦间是音程关系而定，多作练习即可熟练，并无诀窍。我曾给学生在五线谱总谱上出题：“某弦上某一音，分别向上向下构成小二度音、大二度音、小三度音、大三度音、纯四度音、增四度音、五度音…在同一根弦上的什么徽分上？”三四十道题要在五分钟内，不弹琴，不看琴面，只凭思维记忆，限时完成……竖向音阶练习只要记住弦与弦间的音程关系，按在任何弦上任何徽位，它的竖向音阶关系都不会变……长此练习，学生对音位概念的熟练，再加上能掌握古琴器乐化特点，那么对于一首五线谱或简谱的乐谱就能视谱演奏了。当然这只解决了演奏方面的基础技术，至于琴学理论的研究、打谱等科研知识，需要通过教材的编写、教师的作业布置、学生本身的思考与追求，逐渐增强自己的研究能力与适应实践需要的能力。估计很多人都听到过一种批评：“这是对传统的不敬，对传统的否定。”其实这正是对古琴减字谱深透的掌握，没有这样的掌握，就谈不上对减字谱的视谱演奏，谈不上对古琴记谱法的改革！

六、《阳关三叠》的教学

我一般都以学生目前的程度为基础，指定一首相近程度的琴曲乐谱为教材，由学生自己先作预习，待上课时作分析讲解。以大家熟悉的《阳关三叠》为例，汇报我具体是怎样教学一首古琴曲的。

讲解

一、  唐-王维《渭城曲》诗的解说；古人、文人、男人间的离别。是

     一种深沉的离别情的叙述。关键句就是：“劝君更尽一杯酒，西

     出阳关无故人。”白居易有“听唱阳关第四声”的诗句，说明“

     故人”之谊是古人友人间最看重的情谊。《阳关三叠》的离别之

     情，就是乐曲的“主”与“意”。

二、  自唐至今《阳关》类的乐曲从未间断，中央台曾有过自唐始的六首以“阳关”为主题的琴歌介绍，说明《阳关》情感从唐代一直唱到了今天。这种最普通的人情与爱情一样也是文艺作品永恒的主题，演奏者要表现的就是这种感情。现在流传的《阳关三叠》是1864年《琴学入门》的谱子，150年来几乎无多改变，这又说明这份传谱受到琴人认可欢迎的较为完整的谱子。

三、  除了原四句诗句外所加的诗句，是民间文学发展中较为普遍的现象，民间可按自己的理解增删改编，不足为奇。“思君十二时辰，商参各一垠”“依依顾恋不忍离，泪滴沾巾。”等诗句的词意已发展为男女间的相思情，也是在常理之中，无须改动。

四、  通过学习了解其旋律与歌词平仄声韵的结合，因古代诗词是非常讲究平仄四声及归韵，全首曲调的进行与歌词的四声平仄都极其合仄，学生必必需背颂与解释《阳关三叠》全诗。

演奏与艺术处理

一、  因是送别的情感，又是古人、文人、男人间的送别，因此音乐应处理得沉稳凝重。是用心的精致的弹奏，不可仅仅是勾“三四五六六”弦，而是稳重有情感地……开始的一句空弦音，须将手指将弦压下1毫米，再带有韧力的弹奏，不是平铺直叙的处理。“遄行遄行”时是音乐的高潮，右指须加以大力。“长途越渡关津”句也仍然保持较大力度。然后“惆怅役此身”再作弱处理。在第二句“宜自珍”时又需渐渐放慢，结束。

二、  第二叠由泛音开始，前后音色的对比，自然出现一种清新感。“依依顾恋”是它的变化发展，在力度上需加强渲染。其他与第一叠处理相同。

三、  二叠是一叠的重复，到了第三叠如再完全一样的重复，则显得枯燥乏味，因此必须加以变化。三叠的“客舍青青柳色新，（56 5 35 532 12 2）”旋律作了压缩（《古琴曲集》版本）。“旨酒，旨酒，未饮心已先醇”后歌词又有了变化“载驶駰，载驶駰，何日言旋轩辚，能酌几多巡？千巡有尽，寸衷难泯，无穷的伤悲……”三字、六字、五字、四字、五字……词的结构变了，旋律也必然随着变化，这是自古音乐创作的规律。2000 多年前西方圣哲柏拉图也说过：“曲调与节拍必须迁就于歌词，而不可歌词迁就节拍与旋律。”（大意）就这小段歌词以气息逻辑为规律，散板、语气化的张力有度……尤其“千巡有尽”始，字字紧逼，显得情急思涌，直到“如相亲，如相亲”后慢下。

四、  结束尾声是泛音的四句：“噫”一个字就是一句，是今天歌词中的“啊……”而后的三句不可使歌词紧逼局促而来不及咬字吐字。既要使人听得清楚，又要情谊深沉绵延。最后“闻雁来宾”无须唱成高低八度，这是古琴器乐化的记谱。最后一个音，演奏者也应保持在余情余音中的状态，因为“意”还在延续中，不可提前收势。

技术技巧分析

一叠中开头句，应用“韧力”发音，以示送别情感的凝重。“韧力”虽慢也是一种技巧。“渭城朝雨”的“朝雨”随情感的抒发，应于强调，食指应粘在弦上用重力弹奏。“遄行遄行”的六弦九徽，左大指须实实在在的按在弦上，不能早0.1秒的离弦，要保持音时值的充足。这个充足实际上也是情感饱满的涌现。

二叠中“客舍青青柳色新”在高音区七弦六徽二，除了音准外，就是“35 532”的“2”是个“带状行进”的“掐起”。这是多处出现、也是在很多琴曲中应用的技巧，需单独练习。一些学生“掐”不好，声音板结不松，关键还是在于“带状行进”的“带状”，如果不带着“匡”字形的手型，如果左名指按音位置与按得不实，是无法掐出有“共鸣”“余音”的声音。但因在七弦七徽六“掐起”，由于位置的狭小，导致手腕扭曲。可用大臂贴近身体、肩胛稍作突起状，以缩短由于地域的局限。“西出阳关无故人”（12 35 532 1 2 2）是在七徽五六七弦上的三个很容易断裂的音，要求音与音都要连绵不断。技巧是用大指一个手指按好五六两弦（1 2），当右指弹五弦时，左指的力点就在五弦上，此时六弦不在乎实与不实。待右指力点弹六弦的时候，左指的力点立即移在六弦上。大指按弦用力时切不可平均于五六弦上。这样音与音间就能连续不断无间隙。在六弦上留足时值，然后疾速地移到七弦上，使耳朵听不出音的断裂为妙。这就是“八个字”：“留足时值，过弦（移位）疾速”。

    三叠“载驶駰，载驶駰”句始，除了散板的气息处理外，“千巡有尽，寸衷难泯”有一气呵成的感觉。在“巡、尽、衷、泯”的四个字的按音时，切不可一按音就离开，而是按到非离开不可时再离开。“楚天湘水隔远滨”的掐撮三声，是乐句的尾声，是段落结尾的延续，情感的延续。如二胡的长弓，吹管乐器的长音。一般不必重作，应轻声弹奏。

在教学中我注重帮助学生分析技巧不好的原因，及解决方法的诀窍所在。这样可让学生遇到下一处的技巧困难时可独立的自行解决。

    由于不少学生是按老习惯记减字谱的弦徽分，不是以记音高为主，一个音弹在几弦几徽都能清楚明了，但弹的是什么音却会全然不知，这对记忆古曲、灵活的弹奏一首乐曲会产生常见的记忆障碍。为了让学生能掌握乐曲的旋律，类似《阳关三叠》《梅花三弄》等曲则要求专业学生通唱固定调与首调唱名，业余学习者也尽可能练唱首调唱名。

    《阳关三叠》我一般是用两节课时上完，第一堂课主要进行内容题解的分析、讲解技巧及乐曲的处理。第二堂课主要检查预习情况，如能大致处理乐曲，学生有十之六七分把握，就结束这首乐曲的课时。可布置下一首乐曲，待下一首乐曲课时时再抽少许时间检查《阳关三叠》，查看巩固的情况。我以为不必在一首乐曲上耽搁过多时间，一则一首琴曲不是一两节课时就能达到完美的境界，也无需急出成果，需要长时间揣摩感悟。二是新功课可使学生增添学习兴趣。遇有优秀者，我还会布置用C调（不慢三弦）F调（正调）弹奏《阳关三叠》，锻炼对不同调性的音位、高低八度、对按音散音泛音如何交替应用的熟练。

今以一曲《阳关三叠》为例，汇报我是怎样教学一首古曲的。

其他

在教学中我较突出“这首”琴曲中的重点所在，如《关山月》突出点睛之句“由来征战地，不见有人还。”的过弦音的连贯技法。《醉渔唱晚》《山居吟》除了一般的基本功的要求外，主要在于散板宽紧及气息掌握与处理。《长门怨》《捣衣》重点在于梅庵派的风格特点的掌握及两首高音区的技巧训练。《潇湘水云》是重点教学的一首琴曲：分析乐曲结构章法、大曲的一般结构规律、‘水云声’的特点与功能、高潮‘五段’‘七段’架构特点的分析、全曲按音与泛音的分布及其音响上的交响效果、尾部的“合”与“刹”的结构特点，最后是如何一气呵成把握一首大曲……

七、关于移植、打谱的教学

对于一个专业学生，移植、打谱是十分重要的课程内容，涉及到实践应用与科研能力。即使业余学习者，我意也应予以重视。千余年来古琴因不多移植，且以减字谱为主，几乎未将此其作为重要的科目。当学生有一定数量曲目的积累后，也要求学生将一首歌曲或民歌移植成古琴曲。指定一首曲谱，先不作任何讲解，由学生备课后再给予逐字逐句的“改题”，并示范传统乐曲中相应的乐句，晓以古琴器乐化的规律。在过程中同样一句乐句，要求学生在琴上找到三四处相同音高所在，并能连贯地弹奏旋律。通过学生自己的摸索实践，即能使学生从音乐的角度掌握古琴。在众多乐器上一般单旋律的移植，是浅显的初级水平，极易完成。古琴上只要掌握了音位所在，有相当的传统琴曲的积累（其实就是传统琴曲中旋律器乐化的积累），移植也并非难事。

“打谱”教学是按我《古琴演奏法》中打谱程序，择篇幅短小、存有疑难之处的曲目（如有原谱所误、有疑难记谱处、有不便辨认处……）布置学生打谱。其程序：甄别减字、解析疑难、定出双谱（有五线谱或简谱与减字谱的上下对照谱）、纠错注释、揣摸体悟、弹奏修改、定谱。打谱课因含有科研性质，因此课时较长，一首三四段的小曲，也需两至三节课时。

八、专业与业余教学中的区别

因为教的是古琴、教的是《阳关三叠》《梅花三弄》等琴曲，其要求、标准则不应因学生是专业学习或业余学习而不同。当然要求严格到何等程度、怎样掌握恰如其分的进度等方面是应有所区别。学院专业学生的四年就是学习古琴为主，古琴是学生的主业。他们有较多的学科可选修，有丰足的时间保证，要求严格是必然的。有人说“学院派”不是传统教学，“一对一”“手把手”的教才是传统教法，先不说“学院派”的概念并不精确，因为“学院派”本身并不完全一致。就其教学方法来说，倒是完全的、绝对的“一对一”“手把手”的教。并且有教学检查、有业务汇报会的制度，为针对性、因人而异的教学提供了制度的保证。

业余学习者因每位学生原有的音乐基础、文化基础、接受能力、识谱能力、练习时间的确保等起点的不同，因此不能一律要求。应以增加对古琴艺术的了解，逐步加深对古琴艺术深度的领悟为目标并应兼顾兴趣。我在教学中，仍然强调基础训练，基本功的练习。因为不论学习的目标有何不同，正确的基本方法的教学是第一位的。但进度可放慢，尤其初始阶段，明宣要旨，晓之以理。不能固定上课时间的学生，另约上课时间。有的两三个月、甚至半年大半年上一课，这样既不会让学生产生学习上的压力，又给教师腾出了“修身养性”“喝茶”的时间。我也带小班，四五位、八九位学生聚于一堂。这是最不易上好的课，因为每位同学起点与条件不同，上了两三节课后就会立即分出高下。这是对教师如何掌握全盘、如何操控进程是个锻炼与检验。我的教法是当分出不同程度后就“一班两制、三制”，快进学生多布置或另布置适量作业，让他在课堂里先看谱面的疑窦之处，课后多布置一首小曲，戏称“开小灶”。随即指导检查其他学生，少息再回顾前者……经常让“佼佼”者单独演奏，以作标杆示范，只要多努力也会有如此程度，借以鼓励信心！遇到多位学生练得不够熟练时，指出不足但不会责怪，所谓“法不治众”！我会随机应变，多示范，多讲与古琴有关的乐理，讲琴史趣事。但我决不在课上让学生多加练习，因为课上解决的是“不懂”“不会”，一旦“懂”了“会”了，只是不够熟练，那就不必占用有限的课时。即使是业余学生我也多示范，让他们多听多鉴别。不论学习目的有所不同，但既然是学弹古琴，总会有一天要在人前弹奏，常会心慌手抖，因此一段时间后在班里当着众人面，摆开“架势”，人人上台“过堂”，籍以加强艺术实践与心理素质的锻炼。对于其中佼佼者伺机推荐到更大的场合公开演奏。

对于业余学习者也可教于音位练习的思维及方法，使其得到深一步的提高。少数高班还进行打谱、移植的教学，增加他们对琴学进行深度研究的兴趣。

为了使学生增加学习兴趣，在教学传统琴曲的同时，我移植编写了一些流传的大众歌曲，如《天路》《山丹丹开花红艳艳》《吐鲁番葡萄熟了》《樱花》《北国之春》《莫斯科郊外的晚上》《丽达之歌》等作为辅助教材。当《流水》《渔樵问答》等传统古曲学习到需要巩固稳定的阶段，布置一首辅助教材，既可调剂精神，换换口味，增添些情趣，又可在普通朋友相聚时弹上一曲……

一期（十二节课）学完，到下一期时，即可按学习的状况再行组合分班。艺术门类的学习不是机械的按一期二期三期的学下去，三期的学生不见得一定比二期的学得好，音乐学院附中的学生超过本科的、社会学习者学了半年的超过一年两年的大有人在。当然，总原则不变：勤奋是关键，耕耘与收获成正比。

在教学中不论是专业还是业余学习者，务必做到指出问题存在的同时，教师要示范到位，不可只动嘴不动手。业余学习者对因乐理知识不足，每课前若还有人未到，在等待的时间里作三五分钟通俗易懂的乐理知识讲解。一般情况下准时下课，或得到学生允许拖延一点时间，但不可提前下课。有时也因学生来于外地，也不必一进门坐下就上课，闲聊一会也是人情之常。但作为课时，就必须扣除闲谈的时间，上足课时，这是师道。

在教学中不可少的是“耐心”与“调侃幽默”，标准与要求是不可降低，批评却不能过于严肃，应友善待人！要知道某学生在他的行业里也许还是个极其优秀者、行业翘楚。即便不是，但也是个让我们要尊重的人！何况他们爱好古琴艺术，是我们的知音，更需要另眼相看，倍加敬重！这是人道！

九、几个琴学理论的学习与认识

以下是我平时教学中的家常话题，也是我对部分琴学理论的认知与理解。关系到学生的学习及实践，与教学有着极其密切的关系，也一并汇报如下。

关于“‘自娱”与“修身养性”

“古琴是自娱的，是弹给自己听的，是用以修身养性的”。这一琴学观点并不那么陌生，也并无妥与不妥。然若以此慨古琴之全貌，则欠完整。“自娱”是个人行为，无须评论。但古琴还有“娱他”的功能。“娱他”则涉及到他人、百人、千人，如何“娱他”？则需认真讨论一番了。

“自娱”或“修身养性”本就是所有艺术包括音乐艺术在内的

功能之一，任何艺术门类都可以“自娱”及“娱他”。现实是多少琴家都在实践着古琴艺术“自娱”与“娱他”的两种功能。在家里在雅集上是“自娱”，“音乐会上则是“娱他”。既然“娱他”，面对众多听众你弹什么？希望听者能通过自己的演奏接收到何种信息？“娱他”是公开的社会性的活动，是在行使一种责任，是演奏者对百人、千人的责任！

    至于“修身养性”只指古琴的话，也有失偏颇了。因为所有艺术包括练书法、画画、弹钢琴、雕塑……以及垂钓、打太极……都可以“修身养性”。如果说古琴具有“修身养性”的功能，还需从它的物理本质说起。古琴弦长（112厘米），音低（40—8000HZ）、余音长（10秒）、频率缓而低，这是其他乐器所不具有的特点。十秒之长的余音、40—8000HZ的频率波段，是很适合人神情安定的需求，李白就说过：“使人心和平，遗响入霜钟”。它的音响不产生对人神情刺激的作用、不会促使人的情绪膨胀。有人用古琴的音乐去作疗养之用也就是这个道理。若从它的物理质能说古琴有“修身养性”的功能，则更令人信服。

关于古籍史料

古代关于琴乐理论的史籍很多，我们如何对待那么多的史籍记载？怎样取舍？是对我们琴人审美、鉴别能力的审视。其实古人早已有论，《文心雕龙》等古籍说得都很一致：应“取其精华，弃其糟粕”“不可泥古、盲从”及“批判的继承”“继承优秀的传统文化”。首先应多读古籍，不论哪种资料都应该接触阅读，然后进行必要的梳理辨别，不可听什么读什么就是什么。如“琴者禁也”虽是《白虎通》里的记叙，也是琴人常引用的一句话，但是不是完全正确？应有所分析。所谓“禁情、禁欲、禁邪”，应问一声为何要禁情禁欲？《离骚》《广陵散》《蔡文姬》《忆故人》《阳关三叠》说的却都是情，即使《良宵引》《平沙落雁》《渔樵问答》也是说的悠扬思古之情，这个情不正是所有古籍乐曲题解中注明的？为何要禁？如真能禁邪，那古琴可是净化心灵的“神器”，规定凡人必学古琴，贪污、偷盗、抢劫、杀人等犯罪绝迹，天下一派礼仪祥和，公检法军队警察也可撤消……然而古代并不只是“琴者禁也”，还有“琴者心也，琴者情也，琴者吟也”（明李贽《琴赋》），即使“琴者禁也”有含其他意义，包含了“琴者心也，琴者情也，琴者吟也”，那么后者似乎更直接说清楚了古琴艺术的功能，那么就用后者的古籍表达岂不更明快！因为琴曲的确是用心演奏的，是用心来吟颂的，吟颂乐曲所特定的情。说明这一点的还有《乐记》“凡音之起，由人心生也，人心之动，物使之然也。”（《乐记》）客观地说明了音乐的起源，说明了“物”与“心”的“客”“主”关系。从本质上阐述了“客观”对“主观”发生作用后，“主观”又是如何反映“客观”的。对浩翰无垠的遗产与古籍，我们有必要加以思考与辨别。既不可见一古籍就信以为真，又不能以自己个人兴趣或他人之言为标准盲目加以肯定。切不可正如唐人陈康士所批评的那样：“皆止师法，不从心得。”

关于琴曲节本及原谱指法技法的改变

清代琴家徐常遇说“古琴曲传至今日，大都经人删改。”“古曲有不尽善处，可删不可增。”“大曲过于冗长重沓”“大加删汰而成曲者”。这是古代琴家从音乐美学的角度，以几乎一致的审美标准来审视整理琴曲的结构，重视古曲的音乐形象。仅从《神奇秘谱》1425年算起，五六百年来古人就是以此理论对有“不尽善处”的琴曲进行“删汰”的。用今天的话就是古人早已对传统进行了“批判的继承”，未曾泥古。古代一首古曲，有多少版本就有多少次删汰，《平沙落雁》《潇湘水云》《梅花三弄》有数十种版本，就有数十次的改动。但并不是可以随意改动，也不是每一首琴曲都须改动。《酒狂》《乌夜啼》《忆故人》等琴曲，不论其结构与旋律都比较完整，并无改动的必要。但很多琴曲在结构、旋法上存在着或多或少的问题，对它们进行“删汰”，却却不是对传统的不恭，而是真正继承了传统。今天我们听到的一大批名琴曲，基本上都不是原本，都是经过多少代古琴家的改编、整理、删节、润色，是前人无数次改动的结果。《流水》从五六次的“滚拂”到“七十二滚拂”；《广陵散》从18段到45段，今天演奏家舞台演奏本基本上都到27段《正声》为止。《大胡笳》中不断的重复使用前段的素材，动辄加上一个“掐拂历”。对于这些段落、乐句或技法，如不加以删整，则必定减弱古曲音乐形象的正确性，减弱古曲的感染力。因此对传统琴曲进行“删汰”，不但是古人所为，而且也是为了更加彰显传统文化的魅力与光辉。

当然“删汰”必须以乐曲的“主”得到充分完美的体现，符合乐曲“起承转合”的结构为准绳，符合张力逻辑，还得经受时间的筛选与考验，绝不可随意增删。

除了增删节本外，对于古谱中某些指法技法的安排，我与学生也常有一个话题：如果原有的指法技法确实不合规律，且影响了内容展现与旋律的抒展，我是极力鼓励学生“学而思”，开动脑筋大胆地将指法技法改得更适合作品内容的需要。其理论基础是依据古训‘去芜存精’为更有利于琴曲的完美！主体目标（或称本体，即旋律音高）不可变，手段（指法技法）可以变化。”“既古人常有变，今天的琴人也可变，变，必须经过认真的思考与实验。”

肢体语言与气韵的关系

    琴人都讲弹琴要“气韵生动”，“气韵生动”存在于乐曲自身的节拍之中，却又与肢体形态及动作有着直接的关系，因举手投足过程中也存在着情感气韵的信息。

“某人动作过大，哪象弹古琴！”“某人弯腰曲背……”“某人左手中指一得空就点在十徽，过于呆板。”涉及到琴人弹琴时肢体形态或动作的适度，实际上已经涉及到“气韵”是否“生动”了。在古琴演奏中也的确存在着张扬故作或呆板木呐的状态，除了使听众观众不适外，也影响了乐曲本“意”充分完美的展示。艺术从内容到外形最宝贵的是自然大方，我们评论一位影视演员水平的高低，也常说的一句话：“演得跟真的一样！”说明“真”与“自然”是多么的珍贵。精致高端的艺术一切技术技巧、手段都是服从于内容，外形体态也应随内容需要而动，与内容背离的肢体语言都不足取。如你是对着广大听众演奏，则还需与听众共“气息”。千人互为共鸣的气息，就是人类思维生活中的相一致的脉动，是最生动的气息，就是“气韵生动”的境界了。

肢体语言直接关联气韵。常见有些琴友弹完一音，此音是两拍的时值，可一弹完此音就将右指移到了下一个音的弦上放着，等待着弹奏这根弦。虽然也是两拍的时值，然这种“急不可待”的形态实际上是对听者欣赏感觉的阻遏，对乐曲气韵的破坏。再如点泛音，在九徽上点好泛音后又“急不可待”的挪到下一个音位的徽位上等待着……效果犹如抽了听众的半口气，听者会感到气息喘急不顺畅，常见有人左手指一得空闲，哪怕是一两个音的间隙，也不论当时手指远在四徽五徽的位置，也必定赶紧赶慢的点在十徽上……若是老到的听众，那一眼就看出演奏者的不老到。也有一些演奏者是由于某种习惯而带着一些肢体语言，实际上已影响了内容的感染力。也有人认为应该不动作，神色凝重的端庄而坐。这种神态似乎是没有动作，然这没有动作本身就是动作，是缺乏精气神的动作。连同前面所说的那种夸大张扬的动作，都不是内容所需要的肢体语言，它影响了气韵生动的完美。可见恰到的肢体语言，不但不可缺少，而是乐曲内容整体的组成部分。

究竟如何是恰到的肢体语言？何为适度中庸？只能按各人的理解去体会，由老师与学生在生活与实践中揣摩领悟了。

关于个性与共性

曾有人问及“我弹得与老师或某人一样，那还有什么个性可言？”应明确我们最终所求的什么？是你的个性，还是二度创造者应完成原创的本意？认可是后者，那么必须遵循原创的意图为前提，充分体现原创作品的风貌，恰恰不是主要为了展示二度创造者自己的个性。但也只有当个性溶入共性，并得到公认，这种个性才能为共性增添光彩，如只是为“个性”而“个性”，过于追求“个性”，这个“个性”很有可能成为“怪异”。在二十多年前一位学生受到了时潮的影响，将《渔歌》弹出“摇滚”味，因为《渔歌》已很完美，无须再加润色，有能耐的话，自己创作一首“摇滚”，如古琴真能弹出“摇滚”那倒也是一绝，因此最后被我否定了。十多年前法国现代绘画大师88岁的巴尔第斯在中国开画展时，曾说过：“时下画家绘画，是要表现他们的那个“个性，”却忘记了‘共性’才重要……/我恳求我的中国朋友，不要受现在西方的影响。”他又说“‘共性’更重要，并非否定艺术个性，而是强调共性才是神思飞腾的基石。共性就是民族之魂，就是文化之源，就是时代命脉，就是爱国情结，就是人性本真，这就是最根本的‘传递事物之神’和带有本质意义的‘现实之美’。没有这种共性，任何个性就失去依托，就象无本之木，就象无源之水。”因此学生在初学之时如同书法描红临摹一样，照着书帖从拿笔练横竖开始，从练好中锋开始……至于“个性”是抹杀不了的，个性只要符合艺术规律，它必然会存在。每个人的阅历、文化基础、思维逻辑、从小的家庭熏陶、个人秉性都有所不同，待古琴艺术的学习达到了一定水准，经过长时间的艺术实践后“艺术个性”自然会彰显！只是在初学阶段或积累并不多时，无需考虑此类问题，应本份的循序渐进的学习为好。

十、教学中的师生关系

在课堂教学中我极力鼓励学生提问题，所谓“学问，学问”“学”了才能问得出问题，“问”了以后又能学到知识，“问”说明学生在“思”考、在研究，因此能学能问的学生应受到鼓励。古人早已论及：“学而不思则罔，思而不学则殆。”对于学生的“问”，我的心态平平，不嫌简单不嫌幼稚，更不怕被问倒。因为即使是大学问家也有其不懂不明的地方，何况我一个弹古琴的！被问倒了正说明我的不足，可有的放矢的再学习。然在学术观点上，师生之间若有不同观点，我以为应该不分师生、不分年龄、不分辈份的展开讨论，切不可以“师”压人，以“资历”封人之口。应以“教学相长”的思维对待师生之间不同的学术讨论。在学术观点上摆辈份、摆年龄、摆资历是幼稚虚弱的表现。

文至最后，我坦露一个自己也还不能确定究竟是否正确的想法，请教各位。在课堂学习间我不主张学生同时随两个或两个以上的老师学习，有的学生还背着前一位老师同时再向另一位老师学习，则更不妥。其好学精神值得称道，但由于老师间存在着教学方法、标准要求、教学程序、对教材内容分析着眼点的不同，会使学生自己无所适从，也会使老师不知如何协调教学，甚至会使老师之间产生不必要的矛盾。因此可在随一位老师学习之后，再向另一位老师求教，或在前一位老师的推荐下向另一位老师学习。我有十二位老师，亲身感受转师多益，我赞成学生多学几位老师，我们应为学生着想，让学生得到更多的教益。记得很清楚，当年就是我的启蒙老师张正吟带着我去拜夏一峰、刘少椿等老师学琴的。老师宽阔的心胸使得学生增添了更多的感受，开阔了眼界。

结语

    60年来其他乐器如琵琶、二胡、笛子、古筝等都有过多次全国性的教材会议，出版了很多版本的教材，使多种乐器的教学更系统更标准，惟独古琴60年来未有过一次教材会议。各音乐院校至今基本上以教师的积累与感悟进行教学，还没有一个较一致的教程、进度，或相对一致的教材编写与教学质量标准。尤其“学以至用”方面不但缺少丰富统一的教材，更缺乏应有的重视与实践。60年来古琴毕业生大多转成音乐史论专业，从事理论研究工作。少数的留校教学或在专业乐团内多职相兼……多数学生由于在“学以至用”及实践应用方面还缺少应有的学习与锻炼，至今还没有一个民族音乐专业乐团象设立古筝、笛子、二胡等专业编制那样设立古琴专业编制，也许就是这个原因。我长年在专业乐团工作，比较了解专业乐团的要求：一个古琴学生即使能弹多少首的《平沙落雁》《梅花三弄》，而不能适应乐团及舞台演出对古琴的多种需要，不能具备其他器乐演奏员的多种能耐，估计是不会为此设置专业编制的。因此有必要从教学着手改革，经过长时间的摸索与建设，古琴将会有真正的继承与更健康的发展。

以上是“我是这样教古琴的”汇报，是我长年教学中的体验与积累。但终究还是一己之见，也许很多老师早就是这样教学的，甚至有更好的教法方法。那么值此“艺术节”的机会抛一块“砖”，以祈引来更多的“玉”。

不当与偏激之处敬请批评、讨论、指正。

                 



                                     2011年6月

kuanghesheng

嗯，当年练基本功练了很久呢

jinqilin

丰富见识 特来学习le

a90011411

很實用的教學心得 受教了

winze

收益颇多～～

phyllis0610

收益颇多

winze

好文，值得推荐

士兵图籍

kuanghesheng 發表於 2013-6-29 20:35
嗯，当年练基本功练了很久呢

绝对苦逼.  不过我还没打破某厮一天九小时基本功的纪录.

perk

我怎么觉得我的左手大拇指又开始痛了：P

一二散人

练琴真是修身养性!我的急躁脾气在练琴过程中渐渐磨平了，真好呀！

7325pink

受教了 收益颇多

壶荼居士

受教了！

唐棣之华

士兵图籍 發表於 2013-7-5 16:32
绝对苦逼.  不过我还没打破某厮一天九小时基本功的纪录.

佩服我等望尘莫及！

yintong

不错不错

冰玉竹

新人受教了

绿贝壳

多谢分享，受益良多!

shymei

写的很实在，学习了，希望进步

乐迎风

谢谢分享

春雪亭

谢谢  有益

无心柳

初学古琴,很是受益,多谢.

anthony98

相当有启发的文章

yiying

相當受用

天狼蛮蛮

好文章  学习 谢谢分享！！！

jack_bgp

受教了，随时新手，看到此教学文章，收益颇深。

弦动我心

好文章！讲得很详细很明白

听潮天外

学习

liumx2000

对照《演奏法》和《新谱》，这讲话内容丰富了教科书上较密集的内容，很值得参考。